Construção y=ax2+bx+18 - Georges Vantongerloo
Coleção Max Bill, Zurique - (XX)
sábado, 7 de maio de 2016
Henry Moore (Escultor) (1898 - 1986)
Quando terminou os estudos numa escola técnica, Moore foi obrigado a partir para o campo de batalha, durante a Primeira Guerra Mundial.Ao voltar, começou a cursar a Leeds School of Arts e, a partir de 1921, tornou-se aluno do Royal College of Arts de Londres.
Fez sua primeira viagem ao continente em 1923.
Três anos mais tarde, foi nomeado professor da faculdade onde se formara, cargo que exerceu durante quase dez anos.
Sua primeira exposição foi realizada em 1928, e a partir de então começou a receber encomendas do estado.
Foi membro do grupo de artistas Seven and Five Society e do Unit One.
Na escola de Chelsea, onde trabalhou a partir de 1932, abriu um ateliê de escultura.
Trabalhou também na Tate Gallery.
Sua primeira retrospectiva foi feita no Museu de Arte Moderna de Nova York, em 1946.
Seu prêmio mais importante foi dado pela Bienal de São Paulo.
A escultura de Moore se insere dentro da corrente abstrata lírica e resgata influências da arte pré-colombiana, que o escultor teve oportunidade de conhecer em exposições europeias e numa viagem ao México.
O volume adquire uma importância fundamental, principalmente em suas figuras sentadas, no estilo dos chac-mol maias.
Jesús Rafael Soto (Artista Plástico) (1923 - 2005)
O venezuelano Soto integra o grupo de artistas abstratos cinéticos surgidos em Paris na década de 50.Nascido em Ciudad Bolivar, este artista plástico estudou na Escola de Belas-Artes de Caracas, onde recebeu uma formação tradicional.
Os movimentos mais modernos com que conseguiu entrar em contato foram o impressionismo e os grupos imediatamente subsequentes a ele.
Chegando a Paris nos anos 50, interessou-se profundamente pelos trabalhos dos pintores abstratos, principalmente Mondrian e Malevitch, cujas obras estudou.
Seus primeiros quadros foram o resultado dessas pesquisas e de suas experiências com a música dodecafônica.
Trabalhou com cores primárias, suas complementares, com o preto e o branco.
Seus desenhos procuraram desde o princípio incluir o movimento ilusório (op art) e a exigência de que o observador se movimente para puder admirar a obra toda (obras transformáveis).
Fez ensaios principalmente com os efeitos visuais que certas formas, ao serem repetidas, produzem no olho.
Conseguiu resultados ainda melhores com a superposição de pranchas de plexiglass, um material transparente, e com seus móbiles de aço de constituição complexa.
O que ele chamava de penetráveis são tão atraentes e ao mesmo tempo tão bem calculados, que o simples deslocamento do ar produzido pela passagem do espectador faz que eles se movam, transformando completamente a obra.
Julio González (Escultor) (1876 - 1924)
Nascido na cidade de Barcelona, quase toda a atividade artística de González se desenvolveu no seio da sua família, na maioria composta de ourives e ferreiros.Sua cidade de adoção foi Paris, para onde se mudou com toda a família em 1900.
Foi um dos primeiros escultores a se dedicar exclusivamente à modelagem do ferro.
Começou como pintor e mais tarde se dedicou à ourivesaria.
Especializou-se em diferentes técnicas de soldagem, que mais tarde utilizaria com grande maestria.
Recebeu as primeiras influências de Millol e Puvis de Chavannes.
Admirador das obras dos cubistas, logo direcionou suas obras para os conceitos de volume e formas puras.
Seu metal favorito era o ferro, que trabalhou com grande facilidade.
Uma de suas obras mais importantes, Montserrat, foi exposta ao lado de Guernica, na Exposição de Paris de 1937.
Entre suas obras abstratas mais apreciadas e valorizadas está Homens Cacto.
A obra de Julio González reabilita o ferro como material fosco e frio e o transforma em portador de uma grande humanidade, graças a uma plástica sofisticada e elegante, que o próprio escultor chamava de "desenho no ar".
Lucio Fontana (Pintor, escultor) (1899 - 1969)
Um dos representantes de maior destaque do informalismo italiano foi Lucio Fontana.
Em seu Manifesto Espacial propôs uma nova arte, interdisciplinar e sem limitações.
De nacionalidade argentina, mas de pais italianos, a biografia de Fontana deve remeter aos dois países nos quais está assente sua formação, a Itália e a Argentina, já que ele estava sempre viajando de um para o outro.
Suas esculturas dos anos 20, na Argentina, demonstravam influências muito diversas, de Picasso a Archipenko.
Novamente em Milão, inscreveu-se na Academia Brera, onde aprendeu todos os princípios acadêmicos.
Suas obras, no entanto, se afastavam do naturalismo, tendendo firmemente para a abstração.
As peças de concreto e ferro que apresentou em Paris em 1935 causaram muito boa impressão no público.
Em 1940, Fontana entrou em contato com artistas e intelectuais argentinos, com os quais assinou o Manifesto Branco, que fazia uma referência clara aos futuristas italianos.
Sete anos mais tarde voltou para a Itália.
Foi quando tomou forma seu Manifesto Espacial.
Essa foi sua etapa mais prolífica como pintor.
Suas telas eram em modo geral monocromáticas, e a tinta se separava por orifícios.
Com o tempo, além dessas perfurações, Fontana começou a adicionar diferentes elementos, na forma de colagens.
Para o pintor, esses orifícios introduziam a noção de espaço no suporte bidimensional.
Às pinturas espaciais seguiram-se os Teatrini, a meio caminho entre a pintura e a escultura.
A obra de Fontana é considerada precursora da arte minimalista européia.
Robert Morris (Pintor, escultor) (1931)
Morris é um dos artistas plásticos mais versáteis e polifacéticos de sua geração.
Sua obra procurou purificar a linguagem artística de qualquer acréscimo supérfluo, optando pela solidez das formas unitárias.
essa foi a característica comum aos demais artistas que, como ele, pertenceram à chamada arte minimalista ou arte reducionista.
Em suas primeiras obras, Morris preferiu a escultura de grande porte, com materiais como aglomerados, fibra de vidro ou metal, moldados como peças industriais.
A partir dos anos 60 fez uma série de objetos que denominou antiforms, adotando um critério semelhante ao dos ready-mades de Duchamp, só que de modo invertido: o artista francês achava o objeto e o abstraía do contexto, enquanto Morris modelava os materiais de tal maneira que nem sua forma artística, nem suas qualidades podiam ser apreciadas.
Morris foi o precursor da Arte Povera e da Land-art.
Sol LeWitt (Artista plástico) (1928 - 2007)
Entre os representantes da arte minimalista americana, corrente posterior à nova abstração surgida nos anos 60, Sol LeWitt foi um dos primeiros artistas plásticos a desistir da elaboração pessoal da obra.
Recorrendo a ajudantes, alunos ou empresas industriais para executar suas idéias, evitou envolver-se pessoalmente, ou seja, deixar intervir fatores como o gosto ou a subjetividade.
Em seus trabalhos escritos LeWitt achava que o mais importante é a concepção da idéia, já que dar forma a elas não é exatamente necessário, algo que depois é retomado com a arte conceitual.
Ele argumenta também que as idéias mais excepcionais geralmente caracterizam-se pela simplicidade.
A exemplo dos demais minimalistas, LeWitt considerava que o importante é a percepção direta da obra de arte, e não sua interpretação.
Em suas típicas estruturas entrelaçadas, há quem observe uma influência das construções da Bauhaus alemã ou da música de Schönberg, já que a organização é muito parecida: LeWitt parte de formas geométricas puras e produz suas obras pela repetição das variantes da relação entre espaço, superfície e corpo.
Um artigo de sua autoria, Aforismos sobre a Arte Conceitual, foi publicada em 1966 na revista Artforum.
Victor Vasarely (Pintor) (1908 - 1997)
Vasarely é um dos maiores destaques dentro do movimento pictórico dos anos 50 conhecido como cinetismo.
A maior preocupação de Vasarely, assim como a de todos os artistas cinéticos, foi a incorporação do movimento à obra não como sensação de dinamismo, mas de movimento real.
Para isso, Vasarely optou por quadros com motivos geométricos, os quais, dispostos de uma maneira tal, produziriam no observador a ilusão de movimento, algo conhecido como op art (optical art).
Esses quadros fizeram muito sucesso na sociedade psicodélica dos anos 60 e 70.
De origem húngara, Vasarely estudou em seu país na famosa escola Mühely, de características semelhantes à da Bauhaus alemã.
Também entrou em contato com as obras de Mondrian e Malevitch, tendo este último impressionado o pintor com seus quadros suprematistas.
Sua primeira fase refletiu a influência do artista russo numa série de quadros de motivos geométricos em preto e branco.
Pintou inclusive um quadro denominado Homenagem a Malevitch.
São dessa mesma época também seus fotografismos em preto e branco, que eram quadros pequenos ampliados com a ajuda de métodos fotográficos.
No final da década de 50, o pintor começou a sentir necessidade de incorporar cor às suas obras.
Foi assim que as intrincadas construções reticulares se inundaram de verdes, amarelos, vermelhos e laranja, ondulando em tranquila harmonia.
Uma das obras mais importantes de Vasarely foi a pintura mural de 1000 metros quadrados no Palácio de Congressos de Montecarlo (1978).
Wladimir Tatlin (Pintor, escultor) (1885 - 1953)
Tatlin foi um dos principais representantes do movimento construtivista.
No seu entender, não havia diferença entre escultura, pintura e arquitetura.
Todas as disciplinas eram basicamente construções, e as diferenças entre elas deveriam ser definitivamente eliminadas, como a revolução havia feito com as classes sociais.
Para Tatlin, a arte sempre esteve estreitamente vinculada com a política, e ele a entendia como a forma mais direta de difusão e expressão de idéias.
No início, a pintura deste artista russo se aproximava da dos pós-impressionistas, sobretudo da de Van Gogh.
Estudou com Larionov e depois na escola de arte de Moscou.
Fez uma viagem a Paris, entrando em contato com Picasso e outros cubistas, embora também tenha se interessado pelas obras fauvistas.
Na sua volta a Moscou, iniciou os primeiros relevos, aos quais deu o nome de construções.
Eles combinavam as técnicas pictóricas com os mais diferentes objetos.
Começou depois as construções tridimensionais.
Por ocasião do terceiro aniversário da revolução, o governo incumbiu-o daquela que seria sua obra mais importante, O Monumento da Terceira Internacional, conhecida também como a Torre Eiffel do Proletariado, ou a Torre Tatlin (1919).
Suas obras foram apresentadas juntamente com as dos demais vanguardistas russos nas exposições de Berlim e Amsterdâ de 1925 e 1927, respectivamente.
Tatlin foi também diretor do Instituto de Arte e Cultura e publicou suas teorias na obra Panfletos.
Entre 1929 e 1932, construiu o avião Letatlin e retornou definitivamente à pintura.
Yaacov Agam (Pintor, escultor) (1928)
Este artista plástico israelense foi um dos mais importantes realizadores de obras cinéticas transformáveis, ou seja, aquelas que requerem a movimentação do observador para perceber todas as suas variações.Agam formou-se na Academia de Arte de Jerusalém, embora se saiba que começou a pintar ainda na adolescência, motivado pelas obras de Van Gogh, Rembrandt e Doré.
Seu professor, o artista plástico Ardo, aconselhou-o a continuar os estudos na Suíça, junto a Itten, pertencente à Bauhaus.
Além das aulas de arte, Agam também estudou composição musical no conservatório de Zurique, o que iria se refletir intensamente em suas obras posteriores.
Definitivamente instalado em Paris, o artista expôs em 1953 suas primeiras pinturas polifônicas de natureza eminentemente cinética.
Já na década de 60 se decidiu por um novo suporte, o alumínio de superfície irregular, que trabalhou em tons muito brilhantes e com um estudado efeito ótico.
Também se aventurou pela escultura.
Uma de suas obras mais importantes nessa disciplina, As Cem Portas, decora a residência presidencial de Israel.
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